Practica 7. Canon

Principios sobre los que se fundamenta el canon del siguiente grupo de vasijas:

Para empezar está claro que uno de los principales fundamentos del cánon que relaciona estas vasijas es la proporcion de sus medidas, que es constante en una medida muy parecida a la proporción áurea. También se puede observar que en todos los casos el hueco de la vasija se estrecha tanto en la parte superior como en la inferior, dando lugar a la base y a la boca.
Es posible que el origen de la representación en forma de vasijas se deba a un distanciamiento del artesano con la naturaleza inerte de la materia prima del elemento. Es uno de los primeros vestigios de producción artificial, de darle al material la apariencia que la naturaleza nunca le podría conferir. Por este principio, el artesano busca la forma ideal para ese objeto que quiere fabricar, y para ello acude a su capacidad de representación, que condiciona el diseño de su vasija. El propio ser humano es su principal fuente de inspiración debido a su familiaridad, asi que trata de imitar aquello que más le llama la atención: las curvas. ¿De dónde vienen las curvas? de los árboles, de los animales, del terreno, pero sobre todo de nosotros mismos, pues el cánon del ser humano es muy uniforme, mucho más que lo que se suele encontrar en el resto de la naturaleza. Estudia la forma de generar un contorno que se adapte al ser humano y que le imite, por ello todas las vasijas, a parte de imitar el propio cuerpo humano, también tienen la capacidad de ser fácilmente "agarrados" o transportados por este, en algunos casos por medio de asas, en otros por estrechamientos del contorno lateral con topes superiores para el mejor agarre.
El hecho de que las vasijas tengan estrechamiento en la base les da cierta "independencia" del terreno sobre el que se apoyan, tanto en cuanto a temperaturas como a la interacción de pequeños seres vivos, que dificulta su acceso al contenido. El estrechamiento superior podría deberse también a la protección del contenido. El ensanchamiento central aumenta la capacidad del recipiente, mientras el del pie le da estabilidad sobre el suelo liso y el superior facilita el acceso del conenido a su interior.

Análisis gráfico según los pitagóricos del objeto "lata de cocacola":

Como los pitagóricos consideran que la armonía de los números es la base de la naturaleza, cuanto más sencillo es un elemento, más posibilidades de controlar todas sus cualidades numéricas hay. La lata es un objeto sencillo, hecho con minuciosa precisión y simetria en grandes cantidades y con un mínimo margen de error. Son razones suficientes para hallar armonía y perfección en tal objeto.

Tómese un grupo de objetos actuales entendidos como pertenecientes a un mismo canon, y enumérense los principios que lo definen:

El calzado respeta muchos fundamentos para el cánon que lo define:

Para empezar, todo clazado se compone de dos piezas idénticas totalmente simétricas y de unos tamaños normalizados como tallas. También su contorno es muy similar, variando dependiendo del tipo de calzado en si (posicion del pie, altura de las partes, método de cierre...)
Es evidente que el interior debe amoldarse a un pie humano común, y cumplir una función útil o estética determinada. El tipo de cierre o "anclaje" al pie también está condicionado a la funcion del propio calzado, asi como la altura de este.
Debe cumplir su función de proteger el pie de las inclemencias del terreno con su planta y tener alguna forma de quedarse sujeta al pie, ya sea por un mecanismo específico, por un estrechamiento flexible (o no) en el tobillo o por sujección de rozamiento estático (zapatillas abiertas, chanclas).

Práctica 6

Todas las fotos aquí presentadas tienen como denominador comun el uso del/los tamaños como recurso principal. El factor tamaño puede ser usado para llamar la atención o resaltar un determinado elemento, para destacar una parte marginal de una composición, o simplemente para llamar a la reflexión sobre la subjetividad de la percepción humana. En las fotos. uno se da cuenta de que el tamaño no es mas que un recurso en nuestras manos con el que se puede jugar, se puede usar, modificar, engañar, confundir... a nuestro antojo

Practica 5. The Ant Chair

Nombre del objeto: "The ant" modelo 3100
Autor: Arne Jacobsen
Productor: Republic of Fritz Hansen
Dimensiones: (en cm)
Altura total: 78
Altura hasta el asiento: 44
Anchura: 51
Profundidad: 48
Material: madera laminada de 9 capas para el asiento y repaldo. Acero cromado o satinado para las patas
Peso: 4 Kg
Técnicas:construidas con base de caño estructural de alta resistencia, conformados en dobladoras hidráulica semiautomáticas lo que logra gran velocidad de producción y buena calidad en el curvado, todas las uniones se realizan con maquinas automáticas posee 4 herrajes de polipropileno de alta con tapon de goma bulcanizada logrando una terminaciòn de armado incomparable.Estas estructuras pueden ser pintada con pintura epoxi o bien cromadas. Monocasco construido en madera multilaminada procesada y curvada por alta frecuencia.
Coste: de la marca Fritz Hansen, en torno a $400
Embalaje: adecuado. De forma triangular.
Utilidad declarada: sentarse
Funcionalidad: descansar, y adornar
Ruido: ruido de arrastre al moverla, reducido por los tapones de goma de las patas. El desgaste de la silla puede producir crujidos con el tiempo
Mantenimiento: la silla está cubierta con laca de poliuretano; el unico cuidado que necesita es el dictado por el sentido común
Ergonomía: el proceso de laminacion junto con las caracteristicas inherentes a la madera la hacen suficientemente flexible para ajustarse al contorno y movimiento del cuerpo, dando lugar a una silla muy cómoda
Acabado: la cubierta de la hoja de madera va lacada y puede ser de arce, haya o roble tintado. Las patas tienen acabado cromado o satinado.
Manejabilidad: su poco peso la hace fácil de transportar y cómoda de llevar
Duración: depende del uso, desgaste y mantenimiento, pero inicialmente muy larga
Toxicidad: Ninguna que se sepa
Estética: simpleza y formas curvas, que vistas desde el frente semejan el abdomen de una hormiga.
Moda: es un objeto atemporal, no está concebida dentro de una corriente o movimiento concreto
Valor social: un objeto de diseño como este aporta un cierto aire de sofisticacion
Esencialidad: plataforma de apoyo con patas
Precedentes: continua la linea de las sillas anteriores realizadas por Arne Jacobsen, de formas sencillas y estilizadas
Aceptacion por parte del publico: su éxito denota que buena.

Practica 4. Alvar Aalto

1 El objeto pertenece a Aalto porque participa de algunos de los principios que imprimía en sus obras. Ante todo, es un objeto de formas orgánicas, y naturales, que emula a la naturaleza en este caso igualándose con una colmena de abejas.
2 La lámpara se identifica con la mayor parte de la obra de Aalto, desde los útiles de uso cotidiano hasta muchos de sus edificios y viviendas; todo forma parte de su entendimiento particular del diseño y construcción.
3 La pieza de la foto no pierde todo su sentido si se separa del resto de la obra de Aalto, sin embargo desaparece todo su trasfondo y su significado. El objeto puede tener otras interpretaciones, aunque sólo adquirirá un sentido pleno si se relaciona con el proyecto de Aalto
4 Es muy importante el contextualizar los objetos con su entorno, de forma que se pueda crear una armonía visual entre los diferentes elementos que componen una estancia. El aspecto debe ser homogéneo y agradable.


5 En esta estancia los objetos de mobiliario no tienen ninguna relación con el ambiente y de la vivienda. Ni es agradable, ni armonioso; causa confusión y desconcierto

Practica 3. Bauhaus

Una integracion entre arte e industria, entre tradicion y novedad, entre el artista y el artesano. La bauhaus nacio en al ciudad de Weimar, en la alemania de entreguerras, en 1919. Su primer director y principal impulsor del proyecto fue Walter Gropius, que fundo las bases para su desarrollo artistico e inelectual Gropius imprimio a la escuela una ideologia de aceptacion de la tecnología dentro del arte y a la subordinacion de las maquinas al servicio de la accion creadora del artista, de forma que ¨la produccion de la Bauhaus no representauna competencia para la industria y la artesanía, sino que por el contrario constituye un nuevo factor de desarrollo para éstas¨

La escuela operó con normalidad hasta 1925, en que se traslada a Dessau, en donde comienza su periodo más reconocido de produccion. gropius la dirigio hasta 1928, en que tomó el cargo Hannes Meyer, el cual estaba mucho más dispuesto que Gropius a la participacion de la escuela en el movimiento de ideologias políticas.

Aunque Gropius no había inclinado politicamente a la escuela en ninguna direccion, la atmosfera de cambios sociales de la época se filtró hasta sus talleres, y la Bauhaus adquirió un caracter progresista e inclinado hacia es socilaismo, que sirvió como punto de reunion para numerosos progresistas dentro del mundo de las artes; hasta ella, pues, acusdieron artistas de vanguardia europeos como Paul Klee, Kandinsky, Lissistzky, Feininger o Theo Van Doesburg. Al tener un caracter progresista, encontro el mayor peligro para su existencia en el auge del nazismo durante los años treinta; Meyer dimitió del cargo en 1930 por discrepancias políticas con el gobierno de la época; le sucedió Mies van der Rohe, que ¨limpió¨ politicamente el alumnado de la escuela.

El gobierno de Alemania trasladó a la escuela a Berlin en 1932 y ordenó su completa disolución en 1933. Además de la union entre la tecnica y el arte, la Bauhaus exploró las diferentes conexiones entre las corrientes de las artes plásticas y otras formas de expresion como arquitectura, música, fotografía y artes aplicadas.

Entre sus principios de diseño mas destacados, y tambien mas criticados, se encuentra el que dicta que la forma sigue a la función; la forma (dimensiones y apariencia) debe reflejar la función a la que el objeto sirve. Asimismo, en un diseño los conceptos de forma y funcion deben ser uno, y no debe notarse la intervencion de varias ¨manos¨ (arte y tecnica) en el proceso

La disolucion por motivos políticos de la escuela provocó una martirización y una mitificacion de la misma, aunque los pricipios que sembró ha perdurado hasta la actualidad y aún se puede considerar un referente en cuanto a produccion y diseño industrial se refiere.

Practica 2 Frank Gehry

Una silla con un estilo de lineas similar a la deformacion que Gehry aplica a sus construcciones

¿Alguna vez imaginó que pudiese caminar entre los pliegues de una hoja de papel arrugada? ¿Jugó con alguna de éstas buscando la forma más bella o, simplemente tratando de mimetizar algún aspecto de la realidad? ¿Alguna vez llegó a pensar que algo irregular o accidental era realmente bello? ¿Recuerda si ha pensado alguna vez en darle una dimensión aparentemente absurda a un objeto que ya existe? Si conoce algo de la obra de Frank Gehry puede que se dé cuenta de que tras ella no se encuentra un proceso de desarrollo habitual, sino un proceso creativo basado en la imaginación, la irregularidad y el impacto visual, en el que la escala y la luz aparentan ser los únicos nexos existentes entre la idea y el objetivo a realizar. Sin embargo, la clave de ese proceso no es la directa selección de ideas, sino el desarrollo de las mismas, su corrección constante en busca de aquella que harmoniza con su mente. Frank Owen Gehry nació en Toronto, Ontario, Canadá en 1929. Se graduó en 1954 de sus estudios de arquitectura y comenzó a trabajar en el estudio de Victor Gruen y Asociados en Los Ángeles. Fue a servicio militar durante un año y a su regreso fue admitido en la Escuela de Diseño de la Universidad de Harvard para estudiar urbanismo. Estudió también en la universidad de Southern, antes de que estableciera su primera firma, Frank O. Gehry y Asociados en 1963. Frank Gehry afirma comenzar sus proyectos haciendo una profunda observación del lugar y las gentes, tratando de integrarse con lo que ya hay en el. Esto se cumple en el caso del Auditorio Walt Disney en Los Angeles, que trata de respetar la grandeza e historicismo del Dorothy Chandler Pavillion, pese a no ser del agrado del arquitecto. También en Bilbao, con el Guggenheim, afirma haber tenido el mismo cuidado. En vez de crear edificios, Gehry crea pedazos de escultura funcional. En un mismo edificio incorpora varias formas geométricas simples, que crean una corriente visual entre ellas. "Cada proyecto exige un diseño particular y una forma muy personal de entenderlo" "No veo mi arquitectura como una discontinuidad de elementos, sino como un todo. Es cierto que está formada principalmente por pequeñas piezas que el espectador debe encajar, pero estas piezas responden a una visión de conjunto, y como tal hay que verlo" De sus palabras se puede extraer una lógica rígida, que afirma que sus trabajos, cada vez que sufren un cambio son replanteados en su totalidad desde el principio. Esa es su forma de buscar la estética, algo que halla en el débil equilibrio de la situación y forma de los elementos arquitectónicos que conforman sus obras.

Practica 1. Principios

El aspecto y composicion de este blog se basa en los siguientes principios:

1- Estructura: tiene una disposicion rectangular recta, tanto en la cabecera como en la pagina principal. Esto crea un espacio argadable donde escribir y no distrae a la vista con formas esperpénticas o demasiado llamaticas. Todo esta en armonía

2- Color: el color suave del área de lectura no molesta y contrasta bien con la letra. En la cabecera, la combinacion de colores (marron de fondo y gris en primer plano a la izquierda y marron en primer plano y gris de fondo a la derecha) la hace mucho más rica la composicion y mejor presentada

3-Fondo: el color llamativo del fondo hace un aspecto llamativo y vistoso que concuerda perfectamente con la cabecera y con el aspecto general. La utilización del color es fundamental

4- Significado: el contenido viene a establecer una contraposicion entre dos conceptos de "belleza" y estética, en la cabecera se muestran enfrentados dos esquemas de arte, dos formas de creacion que dentro de su entorno se consideran bellas; el modelo de belleza griego de perfeccion y detallismo, frente a la esquematizacion y la limpieza de lineas de una obre moderna; el arte de la pintura egipcia, frente a la distorsion de la realidad de la pintura cubista:

5- Mezcla: esto viene a representar el hecho de que la estética es una mezcla heterogenea de movimientos, conceptos, formas de entendimiento, y de como todas las formas de representacion artística, por muy diferentes que sean, tienes su forma estética de ser.